Partie 1. Questions courtes
Il sera composé de cinq questions, parmi lesquelles nous devrons en choisir trois auxquelles répondre. Chacun d’eux apporte un point, donc cette partie de l’examen nous donnera un maximum de 3 points.
a) Expliquez, en 5 lignes maximum, ce qu'est un Kouros
b) Nommer une église importante d'architecture romane en Espagne
c) Nommez deux peintres de la Renaissance italienne
d) Nommez au moins deux œuvres de l'architecte et sculpteur baroque italien Bernini
a) Il s'agit d'un type de sculpture grecque archaïque qui représente un homme, debout, nu, généralement les bras près du corps et une jambe en avant. Il se caractérise par sa chevelure géométrique, ses yeux en amande, ses pommettes saillantes et son sourire archaïque. Sa frontalité et son manque d'expressivité ressortent également. Les exemples les plus significatifs sont : Kouros d'Anavyssos, les Jumeaux Delphiques ou le Moscóphoro, entre autres.
b) San Martín de Frómista (également desservi par Saint-Jacques-de-Compostelle, San Clemente de Taüll, San Juan de la Peña...).
c) Michel-Ange et Léonard de Vinci (Raphaël, Titien, Véronèse, etc. servent également).
d) Apollon et Daphné, l'Enlèvement de Proserpine et la Chaire de Saint Pierre au Vatican (autres : Mausolée d'Urbain VIII, l'Extase de Sainte Thérèse, David,…).
e) Style de la seconde moitié du XIXe siècle nommé d'après l'œuvre de Monet « Impression, Aube » qui reposait sur l'étude de la lumière, de ses nuances et de son impact sur les objets tout au long de la journée. La technique de peinture était un coup de pinceau fragmenté, avec une touche lâche et spontanée, parfois appliquée directement avec le tube. Défenseurs de la peinture en plein air parmi lesquels se distinguent Monet, Pissarro et Renoir.
Partie 2. Sujet de développement
Elle comportera deux questions, auxquelles nous ne devrons répondre qu'à une seule. Cette partie rapportera un maximum de 2 points.
Afin que vous puissiez développer votre question, la réponse est cachée sous chaque thème parmi lequel choisir.
a) Les Grecs concevaient le temple comme la maison du dieu, c'est-à-dire un espace destiné à contenir la statue de la divinité, et non un lieu de rencontre pour les fidèles, d'où sa petite taille. Les cérémonies se déroulaient à l'extérieur, de sorte que la terre environnante (le temenos) était également considérée comme sacrée.
Les premiers temples étaient en bois et la forme définitive fut établie à l'époque archaïque (VIIe-VIe siècles avant JC) : un édifice soutenu par des colonnes qui s'élevaient sur une série de marches (Krepis), dont la dernière était appelée stylobate. Ils avaient pour la plupart un plan rectangulaire avec un toit à pignon, bien qu'il y en ait aussi des circulaires (tholos).
Les parties essentielles d'un temple sont les suivantes : le pronaos, type de vestibule qui précède le naos ou cella, qui était la pièce qui abritait la grande statue du dieu (cela pouvait être un espace ouvert ou divisé par des colonnes) ; et l'opisthodome était destiné à stocker les offrandes et les trésors du temple qui n'avaient aucune communication directe avec le navire.
Les temples grecs peuvent être classés en fonction de la disposition des colonnes, il y en avait presque toujours sur la façade principale mais, parfois, il y en avait aussi à l'arrière et sur les côtés. Combinant ces différentes possibilités, plusieurs types de temples ont été implantés :
Selon le nombre de colonnes sur la façade : Tetrástyles (4 colonnes), hexastyles (6 colonnes) ou octástyles (8 colonnes) ou selon l'emplacement des colonnes : Si elles étaient entre les murs du pronaos (« In antis » ) et s'ils étaient laissés hors des murs du pronaos de la manière suivante : Prostyle (s'il ne les avait que devant), amphiprostyle (s'il les avait devant et derrière), périptère (s'ils entouraient le bâtiment sur les quatre côtés) ou pseudopériptère (si les colonnes qui entouraient le temple étaient fixées au mur de la cella).
Une partie essentielle des temples était la décoration sculpturale aux thèmes mythiques et religieux. Ils avaient une forme en relief et étaient concentrés en certains points : Les deux frontons (grands triangles sur les façades avant et arrière) et la frise : soit dans les métopes de l'ordre dorique, soit dans l'ensemble de la frise dans le reste des ordres.
Quelques exemples importants de temples sont : le Parthénon, l'Érechthéion, Athéna Nike, sur l'Acropole, ou Zeus à Olympie.
b) Diego Rodríguez de Silva Velázquez (Séville, 1599 – Madrid, 1660) peintre baroque espagnol qui couvrait tous les genres de la peinture (portrait, fables mythologiques, natures mortes, paysages et peintures religieuses) et savait capturer comme peu d'autres la nature, la lumière et du mouvement, en les interprétant toujours avec une grande sérénité.
Il apprend dans l'atelier sévillan de Francisco Pacheco, avec qui il finit par se lier lorsqu'il épouse sa fille. En 1623, il s'installe à Madrid pour occuper le poste de peintre de chambre de Philippe IV.
Il fit deux voyages en Italie : le premier (1629), pour ses études, le conduisit visiter Gênes, Milan et Rome, entre autres villes, copiant Raphaël et Michel-Ange au Vatican. Ces expériences l'amèneront à peindre La Forge de Vulcano. La seconde, dix ans plus tard, consiste à acheter des statues classiques pour la collection royale. C'est alors qu'il dresse le portrait du pape Innocent X, dans lequel il dresse le portrait du pontife avec une grande pénétration psychologique.
Dans l'œuvre de Velázquez, on peut distinguer deux périodes : l'étape sévillane, de formation ; et la madrilène, de maturité :
Durant sa période sévillane, Velázquez avait un penchant pour la copie d'après nature. Les personnages, aux contours très précis, avec une tendance vers le ténébrisme typique du Caravage, ont un caractère réaliste comme dans la Vieille Femme faisant frire des œufs ou La Porteuse d'eau de Séville.
Durant sa période madrilène, un changement commence à être observé dans la peinture du maître. Il commence à traiter la lumière différemment, non seulement pour éclairer mais aussi pour montrer l'air entre les objets. Les couleurs gagnent en intensité et commencent à utiliser la gamme de gris et de bleus typiques de leur production mature. Le tableau qui marque la transition est Les Ivrognes. La reddition de Breda ou le comte-duc d'Olivares est également remarquable de cette période.
Dans la dernière partie de sa vie, il peint deux chefs-d'œuvre de la peinture universelle : Les Ménines et Les hilanderas.
Peintre d'une grande importance qui influencera des artistes ultérieurs comme Picasso, caractérisé par ses compositions élégantes, sa maîtrise de la perspective aérienne, son réalisme et sa variété thématique.
Partie 3. Commentaire sur une œuvre artistique
L'étudiant doit élaborer un commentaire en choisissant entre deux œuvres. La note maximale pour cet examen pratique est de 3 points.
OPTION A
L'œuvre proposée est la « Descente de Croix » de Rogier van der Weyden, datant du XVe siècle et appartenant à la période gothique flamande.
Ce tableau se trouve au Musée du Prado à Madrid en parfait état.
Il s'agit du panneau central d'un triptyque peint à l'huile sur panneau représentant le moment où le Christ descend de la croix après sa mort. Parmi les personnages, on peut souligner principalement la Vierge évanouie, saint Jean l'Évangéliste, Joseph d'Arimathie et Marie-Madeleine.
Il s'agit d'un tableau à composition fermée, symétrique et équilibrée, dans l'axe central duquel se trouve la croix du Christ. Avec similitude dans certaines postures comme celle de la Vierge et de son fils en allusion à la souffrance des deux, qui donnent du mouvement à l'œuvre avec les diagonales qu'elles projettent et une grande dramaturgie à l'œuvre. Dans les figures, de type presque sculptural et avec un grand niveau de détail, on peut voir le traitement des tissus gonflés soulignant les jeux d'ombres et de lumière. Le tout sur un fond aplat, doré, aux couleurs variées et lumineuses.
La peinture gothique se caractérise par le naturalisme et surtout, en Flandre, par l'utilisation du détail, apportant plus de réalisme à l'œuvre. Aux Pays-Bas, compte tenu de l'influence croissante de la bourgeoisie, il devient le principal client des peintres exigeant un type de portrait avec minutie dans les objets traités. L'un des peintres les plus emblématiques est Van der Weyden avec des œuvres reconnues comme La Visitation ou le Portrait de dame, mais d'autres peintres comme Hieronymus Hieronymus et Jan Eyck se démarquent également.
OPTION B
L'œuvre proposée est Le Penseur , d'Auguste Rodin, sculpteur du XIXe siècle qui a travaillé dans différents styles, dont l'impressionnisme.
Il s'agit d'une sculpture autoportante en bronze en parfait état.
Dante, personnage de la Divine Comédie, est représenté en train de méditer devant les portes de l'Enfer. Cette sculpture est également représentée dans lesdites Portes commandées en 1880 par le Musée des Arts Décoratifs de Paris influencées par la Porte du Paradis de Ghiberti.
L'œuvre est assise, avec une composition apparemment fermée, mais elle laisse entrevoir à travers la posture des bras et des jambes l'intérieur du torse de Dante, provoquant ainsi un jeu d'ombre et de lumière très important dans le style impressionniste. D'un grand naturalisme anatomique, il montre une silhouette corpulente, avec un grand marquage des muscles à la manière de Michel-Ange. D'apparence inachevée et rugueuse mais qui donne encore plus d'effet clair-obscur. La chose la plus pertinente dans l'œuvre est l'expressivité qui, même si elle manque d'un grand dynamisme, parvient à refléter la force introspective du personnage dans l'action de la pensée.
La France de la fin du XIXe siècle se trouve dans une période mouvementée au sein de la Troisième République et avec la consolidation de la bourgeoisie et la Seconde Révolution industrielle. A cette époque, Rodin se fait remarquer comme sculpteur, artiste influencé par Michel-Ange qui décide de travailler sur la liberté de mouvement des corps sans recourir à la pose dans ses œuvres (ce qu'on appelle l'œuvre vivante). Avec des sculptures d'aspect inachevé et des contours flous, elles ont une grande expressivité. L'utilisation de la lumière dans les œuvres est ce qui les encadre dans l'impressionnisme. Nous soulignons également Le Baiser et Les Bourgeois de Calais.
